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Polyvalence cinématographique : Matteo Martignago navigue à travers les genres et crée des récits visuels uniques

Aujourd’hui nous faisons une interview de Matteo Martignago !

  • Pouvez-vous partager l’histoire de vos débuts dans le monde de la cinématographie?

Mon parcours dans la cinématographie a débuté comme une exploration passionnée de la narration à travers le visuel. J’ai toujours été captivé par la magie du cinéma, et mon point d’entrée a été ma fascination pour la capture de moments pouvant évoquer des émotions et transmettre des récits.Pendant mes premières années, j’ai plongé dans la photographie, perfectionnant mes compétences en composition et en éclairage. Cela m’a finalement conduit vers le monde dynamique de la cinématographie, où l’image en mouvement est devenue ma toile pour raconter des histoires. J’ai assumé divers rôles sur des plateaux de tournage, absorbant les connaissances des professionnels expérimentés et en transitionnant progressivement vers le rôle de directeur de la photographie.

  • Quels ont été les facteurs clés qui ont influencé votre décision de poursuivre une carrière dans la cinématographie?

La décision de poursuivre une carrière dans la cinématographie a été profondément influencée par mon amour pour la narration visuelle et l’impact profond que des images bien travaillées peuvent avoir sur un public. La cinématographie, pour moi, est l’art de traduire les émotions et les récits en images captivantes.

De plus, la nature collaborative du cinéma m’a attiré – la possibilité de travailler en étroite collaboration avec des réalisateurs, des producteurs et d’autres esprits créatifs pour donner vie à une vision. Le défi d’équilibrer la précision technique avec l’expression créative était une perspective stimulante qui a alimenté ma passion pour la cinématographie.

  • Comment votre origine italienne a-t-elle façonné vos premières expériences dans l’industrie du cinéma?

Grandir avec une origine italienne a imprégné mon approche créative d’un mélange unique d’esthétique culturelle riche. L’Italie a une longue tradition artistique et narrative, et cet héritage m’a inculqué une appréciation pour les arts visuels et le pouvoir du récit. C’est en fait grâce à un cours de cinéma que j’ai suivi pendant mes années de lycée en Italie que j’ai appris la cinématographie. Je serai éternellement reconnaissant à mes professeurs de l’époque et maintenant amis Alessandro D’Ambrosi et Santa De Santis. L’héritage cinématographique italien a sans aucun doute influencé mes sensibilités narratives. Il m’a inculqué un engagement à capturer l’essence d’une histoire d’une manière qui résonne avec le public de manière profonde.

  • Pouvez-vous vous rappeler un film ou un projet spécifique de vos débuts qui a eu un impact profond sur votre développement en tant que directeur de la photographie?

Un projet qui a façonné de manière significative mon développement en tant que directeur de la photographie était MyDorian. C’était une adaptation de Dorian Gray dans le monde moderne. Ce fut l’une des meilleures expériences que j’ai jamais eues car j’ai enfin eu l’occasion de travailler avec Alessandro et Santa. Cela semblait être une boucle qui se refermait, de professeurs à amis et collègues cinéastes. Travailler sur MyDorian a présenté des défis et des opportunités uniques, me poussant à réfléchir de manière créative et à résoudre les problèmes sur place. La collaboration avec l’équipe talentueuse impliquée dans le projet a également stimulé ma croissance, et les leçons apprises lors de cette production continuent d’influencer mon approche de la cinématographie à ce jour.

  • Comment décririez-vous votre style de cinématographie pendant vos années de formation?

Pendant mes années de formation, mon style de cinématographie pouvait être caractérisé par un sentiment d’expérimentation et une volonté de repousser les limites. J’étais désireux d’explorer différentes techniques, styles d’éclairage et mouvements de caméra pour trouver ma voix distinctive. En embrassant une gamme diversifiée de projets, j’ai pu affiner mes compétences et développer une approche polyvalente de la narration.

J’ai été fortement influencé par le cinéma italien classique, infusant mon travail d’un accent sur l’émotion et la poésie visuelle. Les années de formation ont été une période de découverte, où chaque projet servait de toile pour perfectionner mon métier et faire évoluer mon style cinématographique.

  • Comment décririez-vous votre style de cinématographie aujourd’hui, et comment a-t-il évolué au fil des ans?

Aujourd’hui, mon style de cinématographie est le fruit de nombreuses années d’expérience, d’exploration et d’une compréhension profonde de la narration visuelle. Il peut être caractérisé par un équilibre entre la précision technique et la résonance émotionnelle. Je m’efforce de créer des visuels qui servent non seulement le récit, mais qui évoquent également une réponse viscérale de l’audience.

Au fil des ans, mon style a évolué pour embrasser une approche plus nuancée et intentionnelle. Je me concentre sur la création d’expériences immersives grâce à un éclairage stratégique, une composition et des mouvements de caméra. Collaborer avec des réalisateurs divers et travailler sur une gamme de projets m’a permis de continuellement affiner mon style, en m’adaptant aux exigences uniques de chaque histoire.

  • Y a-t-il des combinaisons spécifiques de caméra et d’objectif que vous préférez utiliser, et qu’apportent-elles à votre narration visuelle?

J’ai constaté que le choix des combinaisons de caméra et d’objectif est crucial pour façonner le langage visuel d’un projet. Bien que je reste adaptable en fonction des besoins spécifiques de chaque production, j’ai des préférences qui correspondent à ma vision narrative. Ma combinaison préférée est définitivement la Sony Venice 2 associée aux objectifs Cooke Panchro. Cette configuration me donne la flexibilité de capturer un large éventail de visuels, des moments intimes aux paysages expansifs. La combinaison de ces outils me permet d’atteindre l’esthétique souhaitée et d’amplifier l’impact émotionnel de la narration. Les Cooke Panchros, en particulier le jeu vintage, offrent un look très chaleureux et doux que j’apprécie personnellement. C’est évidemment un goût très subjectif et cela varie d’un directeur de la photographie à l’autre.

  • Y a-t-il des directeurs de la photographie ou des mentors spécifiques qui ont joué un rôle crucial dans le façonnement de votre carrière?

Absolument, mes débuts de carrière ont été fortement influencés par plusieurs directeurs de la photographie. Je n’ai pas eu de mentor spécifique, mais j’ai toujours essayé de m’entourer de directeurs de la photographie bien plus expérimentés que moi afin d’apprendre autant que possible, tout en les aidant sur le plateau de tournage de toutes les manières possibles.

Grâce à ces expériences, j’ai acquis des perspectives précieuses sur la navigation dans l’industrie, le perfectionnement de ma technique et le développement d’une voix unique en tant que directeur de la photographie.

  • Pouvez-vous partager des idées sur les conseils ou les orientations que vous avez reçus et qui ont eu un impact significatif sur votre croissance en tant que directeur de la photographie?

Un conseil qui a résonné profondément en moi était de toujours privilégier la narration par rapport à la technique. Cela soulignait l’importance de comprendre le récit et les personnages, en leur permettant de guider les choix visuels. Cette approche a été essentielle pour ancrer mon travail et garantir que chaque plan serve l’histoire globale.

De plus, on m’a encouragé à embrasser l’échec comme partie du processus d’apprentissage. Comprendre que chaque expérience n’apporterait pas des résultats parfaits m’a permis de prendre des risques créatifs et d’apprendre à la fois des succès et des revers. Cette mentalité d’apprentissage continu et de résilience a été inestimable dans ma croissance en tant que directeur de la photographie.

  • Comment adaptez-vous votre style de cinématographie pour correspondre à différents genres?

Adapter mon style de cinématographie à différents genres est un défi qui demande une compréhension profonde des conventions de narration uniques à chaque genre. J’aborde cela en m’immergeant dans le langage visuel spécifique associé au genre et en collaborant étroitement avec le réalisateur pour aligner nos visions créatives.

Par exemple, dans un récit dramatique, je pourrais me concentrer sur la création d’un éclairage sombre et évocateur pour renforcer l’impact émotionnel, tandis que dans un documentaire, je privilégierais l’authenticité et des visuels naturalistes. La flexibilité avec les mouvements de caméra, les palettes de couleurs et le rythme est essentielle pour adapter mon style aux éléments thématiques de chaque genre.

  • Pouvez-vous partager des expériences de travail sur divers genres et les défis uniques qu’ils ont présentés?

Travailler sur divers genres a été à la fois gratifiant et stimulant. Passer d’un tournage commercial à haute énergie à un documentaire ou un récit dramatique contemplatif demande un ensemble de compétences polyvalent. Chaque genre présente des défis uniques, que ce soit la gestion de plannings serrés dans les publicités ou la capture de moments authentiques dans les documentaires.

Une expérience mémorable a été de travailler sur un pilote réalisé par Tim Kirkpatrick, où j’ai dû naviguer dans la danse complexe entre suspense et comédie. Le défi était de créer une tension à travers l’éclairage et le cadrage tout en veillant à ce que les arcs émotionnels des personnages restent palpables.

  • Quels conseils avez-vous pour les aspirants directeurs de la photographie qui cherchent à développer leur propre identité visuelle unique dans l’industrie?

Mon conseil pour les aspirants directeurs de la photographie est de privilégier l’authenticité et la découverte de soi. Expérimentez différents styles et techniques pour trouver ce qui résonne avec vous personnellement. N’ayez pas peur de prendre des risques et de repousser les limites créatives, car c’est souvent là que des identités visuelles uniques émergent.

Cherchez le mentorat et apprenez des directeurs de la photographie expérimentés, mais faites également confiance à vos instincts et permettez à votre voix de se développer de manière organique. La cohérence dans le perfectionnement de votre métier et une passion sincère pour la narration contribueront finalement à la formation de votre identité visuelle distincte dans l’industrie.

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